Lino é, com certeza, um dos nomes mais importantes da moda nacional. Seu trabalho autoral e visionário vem da experimentação sem receio, do uso de formas e texturas que conferem uma atmosfera utópica para suas criações e da liberdade de produzir muito além do trivial, transformando qualquer matéria-prima em luxo.

 

 

 

Segundo o próprio estilista explicou em seu instagram, ele não segue um tema especifico para suas coleções e cria conforme sua imaginação vai trabalhando. Apesar de não se fundar em um tópico especifico, suas apresentações acabam sendo muito coesas e fortes dentro de diversas propostas. É como se ao final, tudo fizesse sentido, mesmo que a ideia em seu principio não partisse de sentido algum. Lino entregou uma coleção extremamente feminina, mas impactante pela amplitude – de cores, de formas, de texturas e de técnicas. Os vestidos do estilista passavam a mensagem de uma sensualidade antiga e glamourosa que pouco se vê nos dias de hoje, onde ternos estruturados e materiais enrijecidos, por exemplo, é que constituem a sensualidade contemporânea. Plissados delicados, estampas florais bucólicas, transparências ousadas e metalizados se unem ora em peças longilíneas e esvoaçantes, ora em estruturas lindamente retorcidas de formatos orgânicos.

 

 

 

 
Fotos: Zé Takahashi

 

 

Fernanda Yamamoto é uma das veteranas da SPFW, se apresentando no evento desde 2010. Mas a historia de Fernanda com a moda aconteceu bem antes, em 2007, quando seu trabalho começou a ganhar a forma e a identidade que a colocam como um dos nomes mais festejados do setor. Fernanda tem um estilo próprio e sólido, clientela assídua e uma maneira de criar muito única, que preza pela qualidade, técnicas tradicionais e sensibilidade para a moda com propósito e não pela quantidade.

 

 

 

 

Nesse desfile, Fernanda olhou para a própria história de mais de dez anos de sua marca e promoveu um upcycling de todas as suas coleções passadas, nos fazendo exercitar novos olhares para sua própria identidade. Os looks reconfigurados por Fernanda se transformaram em algo ainda mais extraordinário, teatral e digno das mais importantes passarelas pelo mundo. Trabalhos extremos de interferências criativas e manipulações surpreendentes dos tecidos formaram vestidos, saias, jaquetas e sobretudos esplêndidos, riquíssimos em texturas tridimensionais e proporções diferenciadas. A apresentação ainda foi mais carregada de emoção por trazer amigos, clientes, funcionários e parceiros da marca à passarela. O patchwork e as disposições extraordinárias dos tecidos criavam formas arquitetônicas e ao mesmo tempo fluídas e cheias de feminilidade. A profusão de texturas junto composição de cores e a indiscutível técnica do trabalho da estilista e de sua equipe aguçam os sentidos e provam que a moda nacional não carece de talentos, apenas de incentivos. Um desfile realmente emocionante.

 

 

 

 
Fotos: Zé Takahashi

 

 

Originalmente, o estilista mineiro João Pimenta atua no vestuário masculino, mas sua interpretação para este universo está longe do convencional. João é autoridade no trabalho manual e suas intervenções carnavalescas nas peças tradicionais do vestuário masculino é que tornam o trabalho do estilista tão autoral. João também foi um dos primeiros estilistas a questionar o guarda-roupa clássico dos homens ao inserir elementos femininos em suas criações muito antes do gender neutral se tornar uma expressão recorrente.

 

 

 

Nesta edição da SPFW, no entanto, o estilista inverteu os papéis e focou na moda feminina transfigurada para o universo masculino, só que do ponto de vista de mulheres gays. Para obter sucesso na empreitada, João montou um grupo formado apenas por lésbicas para entender o que faltava no mercado para atender a esta consumidora especifica. O resultado foi uma coleção irônica, que continha todos os estereótipos que a sociedade aponta para esse grupo. Ternos descontruídos com recortes dramáticos, peças esportivas oversized e intervenções manuais de lavagem e tingimento foram alguns dos artifícios usados pelo designer para dar vida a essa figura idealizada por diversas cabeças que estão inseridas nesse lugar. Peças comuns, como blazers e saias de comprimento midi ganharam novos arranjos pelas mãos do estilista, que se valeu de sobreposições e truques de estilo extremos para reconfigurar seu uso, como o blazer usado aberto e caído em dos lados do corpo, formando uma nova forma de decote. O exímio trabalho manual do estilista também apareceu em conjuntos estruturados de material refletivo e coletes de corte masculino clássico. A tradicional alfaiataria masculina ganhou novas formas e tivemos belos ternos riscas de giz e de cores convencionais transformados para os corpos femininos, com calças mais ajustadas no quadril, cintura marcada e ombros sutilmente evidenciados.

 

 

 
Fotos: Zé Takahashi

 

 

O carioca de 27 anos Lucas Leão criou sua marca pensando em transpor as barreiras do senso comum sobre moda. O estilista faz uso de materiais que não costumam ser ligados diretamente ao setor e se vale da tecnologia para criação de estampas exclusivas que promovem efeitos visuais fantásticos em seus desfiles. Integrando o Projeto Estufa desde a edição n. 46 da SPFW, este promissor designer cresce com a intenção de nos fazer repensar sobre consumo e limites antiquados de gênero.

 

 

Em seu mais recente desfile, Lucas manipulou sua coleção a fim de nos apresentar seu ponto de vista sobre as diversas formas de censura que a cultura vem sofrendo nos últimos tempos. A apresentação começa com cores opacas e neutras, que segundo o estilista representam as tentativas de exclusão de movimentos culturais e vozes que não se encaixam em padrões conservadores. Como numa espécie de renascimento, o desfile vai ganhando cores e formas com uma profusão de estampas provocadoras e quase agressivas aos olhos, mas no bom sentido. Aqui a intenção é instigar os sentidos e sair da zona de conforto. A apresentação se encerra com conjuntos compostos de blazer de alfaiataria texturizados colocados por cima vestidos reluzentes com plissado sutil e calça de modelagem ampla. Nesse ponto as cores ganham total vivacidade e representam o sentimento de esperança de prevalecimento da liberdade artística a despeito de todas as tentativas de calá-la.

 

 
fotos: Zé Takahashi

 

 

Criada em 2017 e integrante do Projeto Estufa desde a edição 46 da SPFW, a Aluf – iniciais de sua diretora criativa Ana Luisa Fernandes – nasceu com o proposito de gerar moda através da tecnologia e dos tecidos recicláveis e biodegradáveis. Ana Luiza também se inspirou na arteterapia para criar sua marca. O processo consiste em unir arte e psicologia em diversos recursos de expressão como forma de terapia e foi através dessa sessão de autoconhecimento que a designer teve o insight de fundar sua marca. A Aluf trabalha com volumes e ao mesmo tempo com sobriedade. Sua linha criativa é marcada pelo minimalismo fora do comum, com fluidez nas formas e riqueza de detalhes que interagem de maneira a incorporar o mood mais clean da marca.

 

 

 

Nesta coleção as criações misturaram ângulos e formas orgânicas de modo que se complementavam. Ao mesmo tempo que a estilista investe em peças simples e puxadas para o clássico, inova ao apostar em babados teatrais e proporções inusitadas. Branco, off-white e areia eram os tons principais da coleção, com intervenções esporádicas de um coral reluzente. Variações de xadrezes, muitas vezes usados da cabeça aos pés, apareceram e calças, jaquetas e vestidos. Texturas estofadas sem obviedade foram colocadas em alças, barras de vestidos e mangas. Os volumes foram explorados de forma concentrada, ora no quadril em calças ao estilo harém de amplitude conceitual, ora nas mangas de blusas, camisas e macacões. Ótimos conjuntos de alfaiataria volumosos na medida foram finalizados com complementos atuais, como jaquetas bomber e casacos de textura plástica. Tramas vazadas de ares futurísticos foram colocadas em macacões e vestidos superlativos.

 

 

 

 
fotos: Zé Takahashi

 

 

Glória é sem dúvida uma das estilistas mais importantes do circuito nacional e sua identidade criativa pode ser reconhecida de longe, algo pouco comum quando tratamos de muitos anos de carreira. A identidade de Gloria Coelho transita entre o luxo minimalista e a experimentação de formas e proporções que tornam seu trabalho único e sempre atual.

 

 

 

 

Nesta coleção, o teatro da FAAP, onde a estilista sempre apresenta seus desfiles, se transformou em universo e a veia minimalista de Gloria ganhou nuances futuristas em roupas e acessórios de textura metalizada. Os casacos são sofisticados e urbanos, com tons terrosos escurecidos e aplicações de pelo. As construções dos looks através de sobreposições, recortes e texturas é uma das marcas mais fortes do trabalho de Gloria que aqui apareceu em vestidos e conjuntos de alfaiataria com detalhes de tela, tricôs amplos colocados sobre camisas de algodão, trench-coats com recortes em couro e aplicações plásticas sobre vestidos de tecido leve. Os coletes dos mais variados materiais, comprimentos e volumes foram bastante explorados como opções de peças complementares.

 

 

 

 

A pegada utilitária do trabalho da estilista tomou forma de referências militares nessa coleção, especialmente pelos bolsos volumosos, fitas ajustáveis colocadas em botas over the knee de cores clássicas e profundas. A sofisticação do trabalho de Gloria é madura, mas longe de ser tediosa. Aqui o tradicional é interpretado de forma contemporânea e a sensualidade fica por conta da sutileza da pele sugerida e não simplesmente mostrada. A coleção tem peso e ao mesmo tempo doçura, tem o mistério do inacabado e a qualidade que se espera do luxo. Definitivamente os opostos se atraem nas mãos de Gloria.

 

 

 
Fotos: Zé Takahashi

 

 

Alberto Hiar veio do cenário musical efervescente da década de 90 e com o propósito de criar uma marca que vendesse muito mais um manifesto do que apenas roupas, fundou, em 1995, junto com Igor (então baterista do Sepultura) a Cavalera. Desde então, a marca é uma das mais aguardadas da semana de moda de São Paulo e já promoveu desfiles memoráveis durante o evento. De lá para cá, a Cavalera já passou por diversas mudanças, mas sempre se mantém atualizada e capta questões sociais importantes de cada período, o que faz com que suas roupas não sejam simplesmente roupas, mas uma maneira de contestação.

 

 

 

Batizada de “skate, punk, Jamaica no País do futebol”, a coleção trouxe casting de gêneros, corpos e orientações diversificados e composto em sua maioria por modelos negros. O desfile tem início com Seu Jorge falando sobre as estatísticas de morte da população negra por arma de fogo. Em seguida, dançarinos adentram à passarela e, após uma breve apresentação, se colocam sentados em frente à primeira fila, mostrando de quem realmente é o desfile – jovens, em sua maioria negros e periféricos, estigmatizados pela sociedade de padrão branco e com poucos ou nenhum privilégio. Emerson Timba e Leo Bronks são stylists desses mesmos jovens que encontraram no funk uma esperança de respeito ascensão social. E são eles que assinam essa coleção da Cavaleira, cheia de ironia, questionamento e inclusão. O futebol foi escolhido como uma das referências da coleção justamente porque a sociedade pré-julga que este é o único instrumento de mudança para um jovem negro. Não é. E a Cavalera chega com esse desfile para arremessar as mudanças sociais em nosso peito, ou seja, elas estão acontecendo e vão continuar a ganhar força, quer você queira ou não. Muito mais do que moda, a Cavalera vende um estilo de vida que conversa com as novas gerações (livres de rótulos, empática e questionadora) e que protesta frente aos aspectos dos tempos anuviados em que vivemos.

 

 

 
Fotos: Zé Takahashi

 

 

De Cabo Verde para o Rio de Janeiro e da Casa de Criadores para a São Paulo Fashion Week, Ângela Brito fundou sua marca em 2014 com o propósito de oferecer roupas de qualidade, criativas e confortáveis. Ângela segue a linha slow e tudo que produz é feito com cuidado e atenção em cada detalhe. Seu minimalismo é futurístico, pontuado pelo design contemporâneo, pelos shapes desabados e recortes inusitados que oferecem riqueza sem afetação para suas peças.

 

 

 

Nesta coleção Ângela traz uma atmosfera bucólica que não ficou restrita ao cenário da apresentação. Vestidos ao mesmo tempo leves e estruturados, blusas assimétricas, camisas com mangas românticas na medida e saias trabalhadas com sobreposições utilitárias reforçaram o objetivo da estilista de conexão com a natureza, principalmente àquela de inspiração em seu continente Natal. A estampa floral abstrata que apareceu em diversos looks foi feita pelo fotógrafo Marcos Florentino, que digitalizou a padronagem nos tecidos. Ângela Brito mostrou uma coleção com afinidade de opostos. Os recortes e assimetrias ao mesmo tempo em que desconstruíam, davam vida a novas formas. Estrutura e leveza. Romantismo adulto e sensualidade equilibrada. As criações de Ângela neste desfile de estreia demonstram afetividade com suas raízes africanas não só pelo design propriamente dito, mas também pela consideração ao optar por um casting composto apenas de modelos negras, pelo styling produzido pelo nigeriano Daniel Obasi e até pela beleza das modelos, inspirada pelos povos do Vale Omo na Etiópia.

 

 

 

 

 
Fotos: Zé Takahashi e Marcelo Soubhia

 

 

A Beira também faz parte das marcas relativamente novas que estão em ascensão no circuito nacional justamente por se alinharem com as demandas atuais do mercado, em especial na questão da sustentabilidade, pela criação de peças fluídas, que podem transitar livremente pelo universo de ambos os gêneros e pelo compromisso com a diversidade.

 

 

Nesta temporada Lívia Campos, diretora criativa da marca, revisitou as peças do estoque e promoveu novas intervenções com técnicas artesanais de tingimento e lavanderia a fim de reinterpretar criações antigas e transformar as roupas em algo totalmente diverso de sua proposta original. Reciclar, reutilizar e dar novos significados sobre o já existente parece ser a pauta principal desta edição da SPFW, que traz fôlego à moda nacional com gente nova, engajada e disposta a fazer a diferença, seja no comprometimento com a inclusão de pautas sociais e políticas urgentes, seja pela liberdade criativa que eleva a qualidade dos produtos made in brazil. A Beira desfilou azuis suaves e calmantes – passando da gama dos mais claros aos acinzentados e chegando aos profundos – em modelagens desprendidas e livre de rótulos. Apesar de parecer simples, todos os detalhes das peças foram cuidadosamente pensados para que se tornem únicas nos corpos de quem as adquire – dos comprimentos das mangas aos bolsos utilitários, das propostas de sobreposições às costuras mais largas que vão se desgastando conforme a lavagem. Da nobreza da alfaiataria ao moletom democrático, a Beira oferece qualidade descomplicada e atual.

 

 

 

 

Integrando o line up do Projeto Estufa desde a edição n. 46 da SPFW, o estilista Victor Hugo Mattos pode ser considerado um verdadeiro artista em suas criações. Mattos preza pela excelência do handmade, buscando inspirações e materiais em elementos brutos da natureza, o que traz uma atmosfera fantástica ao seu trabalho, em especial nos impecáveis acessórios de cabeça. De olho na sustentabilidade, o designer ainda busca matéria-prima para suas criações em brechós e acervos, o que torna a assinatura de seu trabalho ainda mais peculiar e em consonância com as práticas atuais de reciclagem na moda.

 

 

Nesta coleção Mattos trabalhou suas intervenções criativas em muitas peças tradicionais (garimpadas em diversos lugares), como calças de alfaiataria, blazers, camisas sociais e coletes, que ganharam aplicações em pedraria, franjas, búzios e contas que remetem aos adornos tradicionais das religiões de matriz africana. Telas e redes que formavam camisetas e vestidos dos mais diversos comprimentos injetaram sensualidade à coleção, que explorou a transparência em vários níveis de ousadia. Aqui o trabalho do estilista também parece reverenciar os orixás das águas, em especial pelo adorno de cabeça que complementava um dos vestidos e que lembra bastante àqueles retratados em imagens do gênero. Produções finalizadas com peças metálicas formavam uma espécie de armadura sobre conjuntos de calça reta e camisas fluídas elevando o nível de sofisticação e conceitualismo das composições.

 

 

 

 
Fotos: Zé Takahashi e Marcelo Soubhia